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20 jun 2011
18 may 2011
S10_Intervencion "white O"
INTERVENCIÓN "WHITE O"
La intervención consiste en un voladizo en la zona del jardín para dar sombra en las horas más calurosas. Además del voladizo, se incorporan unos módulos rectangulares de madera. Son de diferentes tamaños para no crear un espacio homogéneo.
La esencia de este proyecto es la relación tan directa que existe entre los sujetos y el entorno, por eso hemos optado por un espacio al aire libre, sin barreras, permitiendo que se produzcan relaciones entre sujetos sin dejar a un lado el contexto que los rodea, no los aisla sino que los introduce en él.
PLANIMETRÍA:
RENDER:
La intervención consiste en un voladizo en la zona del jardín para dar sombra en las horas más calurosas. Además del voladizo, se incorporan unos módulos rectangulares de madera. Son de diferentes tamaños para no crear un espacio homogéneo.
La esencia de este proyecto es la relación tan directa que existe entre los sujetos y el entorno, por eso hemos optado por un espacio al aire libre, sin barreras, permitiendo que se produzcan relaciones entre sujetos sin dejar a un lado el contexto que los rodea, no los aisla sino que los introduce en él.
PLANIMETRÍA:
RENDER:
19 abr 2011
"WHITE U"_Laura Cimiano y Leyre Peral
TOYO ITO "WHITE U"
INFORMACIÓN GENERAL
Arquitecto: Toyo Ito
Construido en: 1975-1976
Ubicación: Tokio, Japón en el barrio de Nakano en un solar entre medianeras.
Materiales: Hormigón armado como material predominante y el vidrio para las zonas acristaladas.
RELACIÓN DE LOS SUJETOS CON LA CASA
Fue diseñada para su hermana mayor, que acababa de perder a su marido por cáncer. La clienta y su familia vivían hasta entonces en un rascacielos de la ciudad. Tras la muerte de su marido, la viuda pidió que el arquitecto construyera una casa para ella y sus pequeñas hijas donde pudieran disfrutar del contacto con el suelo y la naturaleza. También sugirió que la casa tuviera forma de L para que los miembros de la familia pudieran tener contacto visual entre ellos, aunque finalmente el arquitecto se decidió por una U. Tuvieron que pasar veintiún años desde la construcción de la casa para que la familia estuviese dispuesta a restablecer sus lazos con el mundo exterior. ERA UNA CASA PARA CREAR UN ESPACIO EN EL CUAL AISLARSE DEL MUNDO EXTERIOR Y ASI FOMENTAR LA RELACIÓN ENTRE LOS PROPIOS SUJETOS QUE LA HABITAN Y LA RELACIÓN DE LOS MISMOS CON LA NATURALEZA Y EL TERRENO.
La primera en abandonar la vivienda fue la hija mayor. Ella nunca se cuestionó si fue o no agradable vivir allí, aunque habla de la casa como de una caja cerrada. La madre se mudó más tarde a un pequeño piso, pero como musicóloga había disfrutado de su afición en el eco de las desnudas paredes. La hija más joven fue la última en dejar la casa en donde había desarrollado cierta sensibilidad estética que se reflejó en su interés por Kandinsky.
PLANIMETRÍA
PLANTA Y SITUACIÓN
ESCALA 1:100
ALZADO 1
ESCALA 1:100
ALZADO 2
ESCALA 1:100
ALZADO 3
ESCALA 1:100
ALZADO 4
ESCALA 1:100
SECCIÓN
ESCALA 1:100
MAQUETACIÓN CONCEPTUAL
CONCEPTO Y ESPACIOS
En esta obra se distingue el valor simbólico de la arquitectura japonesa. Es una casa para dolientes porque paso de lo funcional (casa en L) a lo simbólico (casa en U) porque así se establecerían unos efectos mayores de luz y una relación mayores entre los sujetos.
La organización se estableció en forma de U con dos largas circulaciones. Una conducía a los dormitorios de las hijas y la otra, a través de la cocina y el baño, al dormitorio de la madre. Se generó un patio central, parte importante de la relación con la naturaleza buscada en esta obra.
Las circulaciones eran oscuras y dirigidas hacia un espacio común luminoso. Este espacio de usos múltiples, utilizado para jugar, comer y meditar, tenía sus muros, techo y suelos blancos. LA ILUMINACION ERA PROTAGONISTA EN LA INTENSIDAD GENERADA EN LOS ESPACIOS.
El resto de la vivienda se iluminó con aberturas en el techo, dirigiendo la luz en una línea diagonal recta. La luz dio a los espacios una textura suave, reforzada por la blancura del interior, que parece plana y sin tridimensionalidad, a modo de pantalla donde las imágenes y las sombras de los habitantes se proyectaban.
INFORMACIÓN GENERAL
Arquitecto: Toyo Ito
Construido en: 1975-1976
Ubicación: Tokio, Japón en el barrio de Nakano en un solar entre medianeras.
Materiales: Hormigón armado como material predominante y el vidrio para las zonas acristaladas.
RELACIÓN DE LOS SUJETOS CON LA CASA
Fue diseñada para su hermana mayor, que acababa de perder a su marido por cáncer. La clienta y su familia vivían hasta entonces en un rascacielos de la ciudad. Tras la muerte de su marido, la viuda pidió que el arquitecto construyera una casa para ella y sus pequeñas hijas donde pudieran disfrutar del contacto con el suelo y la naturaleza. También sugirió que la casa tuviera forma de L para que los miembros de la familia pudieran tener contacto visual entre ellos, aunque finalmente el arquitecto se decidió por una U. Tuvieron que pasar veintiún años desde la construcción de la casa para que la familia estuviese dispuesta a restablecer sus lazos con el mundo exterior. ERA UNA CASA PARA CREAR UN ESPACIO EN EL CUAL AISLARSE DEL MUNDO EXTERIOR Y ASI FOMENTAR LA RELACIÓN ENTRE LOS PROPIOS SUJETOS QUE LA HABITAN Y LA RELACIÓN DE LOS MISMOS CON LA NATURALEZA Y EL TERRENO.
La primera en abandonar la vivienda fue la hija mayor. Ella nunca se cuestionó si fue o no agradable vivir allí, aunque habla de la casa como de una caja cerrada. La madre se mudó más tarde a un pequeño piso, pero como musicóloga había disfrutado de su afición en el eco de las desnudas paredes. La hija más joven fue la última en dejar la casa en donde había desarrollado cierta sensibilidad estética que se reflejó en su interés por Kandinsky.
PLANIMETRÍA
PLANTA Y SITUACIÓN
ESCALA 1:100
ALZADO 1
ESCALA 1:100
ALZADO 2
ESCALA 1:100
ALZADO 3
ESCALA 1:100
ALZADO 4
ESCALA 1:100
SECCIÓN
ESCALA 1:100
MAQUETACIÓN CONCEPTUAL
CONCEPTO Y ESPACIOS
En esta obra se distingue el valor simbólico de la arquitectura japonesa. Es una casa para dolientes porque paso de lo funcional (casa en L) a lo simbólico (casa en U) porque así se establecerían unos efectos mayores de luz y una relación mayores entre los sujetos.
La organización se estableció en forma de U con dos largas circulaciones. Una conducía a los dormitorios de las hijas y la otra, a través de la cocina y el baño, al dormitorio de la madre. Se generó un patio central, parte importante de la relación con la naturaleza buscada en esta obra.
Las circulaciones eran oscuras y dirigidas hacia un espacio común luminoso. Este espacio de usos múltiples, utilizado para jugar, comer y meditar, tenía sus muros, techo y suelos blancos. LA ILUMINACION ERA PROTAGONISTA EN LA INTENSIDAD GENERADA EN LOS ESPACIOS.
El resto de la vivienda se iluminó con aberturas en el techo, dirigiendo la luz en una línea diagonal recta. La luz dio a los espacios una textura suave, reforzada por la blancura del interior, que parece plana y sin tridimensionalidad, a modo de pantalla donde las imágenes y las sombras de los habitantes se proyectaban.
S8_TOYO ITO "WHITE O"_Leyre Peral y Laura Cimiano
TOYO ITO "WHITE O"
INFORMACIÓN GENERAL
Arquitecto: Toyo Ito & Associates, Architects
Localización: Marbella, Chile
Área del proyecto: 370 sqm
Año del proyecto: 2009
Toyo Ito bautizó esta casa como “White O”. Este nombre tiene una conexión con una de las casas más importantes del arquitecto; “White U”, diseñada en 1976. Por lo tanto es un nombre en honor a esta obra.
La letra “O” describe el diseño de la casa: centrado en su jardín interior. También es la primera letra de “Ochoalcubo”.
En Marbella, a 160 km al noroeste de Santiago de Chile, se llevó a cabo el desarrollo de esta urbanización de casas de vacaciones dispersas entre campos de golf. La parcela, como todo el complejo de Marbella, desciende gradualmente hacia el nordeste. Mientras el campo de golf se despliega ante nuestros ojos, podemos ver las montañas hacia el este. En el entorno hay otras casas proyectadas por destacados arquitectos chilenos como Mathias Klotz y Christian De Groote, y para que todo el complejo fuera coherente en su diseño, era obligatorio que el exterior fuera blanco, la cubierta plana y los muros perpendiculares.
PLANIMETRÍA
PLANTA DE CUBIERTA Y SITUACIÓN
ESCALA 1:200
PLANTA SOTANO
ESCALA 1:200
PLANTA PRIMERA
ESCALA 1:200
ALZADO NORTE
ESCALA 1:200
ALZADO SUR
ESCALA 1:200
SECCIÓN SUR Y ALZADO Y SECCIÓN ESTE
ESCALA 1:200
ESPACIOS Y CONCEPTO
La planta principal se dispone horizontalmente en el extremo occidental, a una cota de considerable altura, enfrentada al emplazamiento en suave pendiente. Los visitantes pasan bajo el dormitorio en el extremo oriental y ascienden por la rampa hasta llegar a la entrada.
Con la excepción del garaje y la habitación de servicio, situados al nivel del terreno, todas las estancias importantes se ubican en la planta principal, en torno al patio. Respecto a las vistas, el estar, el comedor y los dormitorios miran al este, hacia el campo de golf.
En tanto la cubierta plana y el sistema de pilotis de la fachada representan la construcción racional, al modo de las obras tempranas de Le Corbusier, la fluida cualidad espacial que se experimenta al rodear el interior desde el sendero de entrada contrasta notablemente con aquella.
La casa se llama White O en referencia a la casa White U que construí e Tokio en 1976. La White U creaba la experiencia de un pasaje subterráneo, con su interior limitado por él, mientras que la White O, con sus interiores abiertos, proporciona la de flotar suspendido en el cielo.
La propuesta tiene la intención de hacer un uso dinámico de todo el sitio aprovechando las cualidades especiales creadas por la ladera del terreno.
RELACIÓN Y RECORRIDOS
El sitio y la casa están compuestas juntos como un solo espacio continuo, fluyendo como un recorrido con movimiento de espiral y centrada en un jardín parcialmente cercado.
El aproximamiento a la casa asciende junto a la línea natural de la ladera atrayendo a los visitantes hacia la parte trasera del sitio. Dentro del jardín interior, la ladera se torna continua con el suelo de la casa , fluye alrededor y hacia arriba a las zonas privadas.
Ascendiendo por un rampa que envuelve el jardín interior, el interior de la casa hace una transición fluida hacia una zona privada que contiene los dormitorios. Flotando sobre el terreno, estos espacios tienen completa privacidad.
Ascendiendo por la ladera hacia la parte trasera del sitio , entrando a la casa y moviéndose a través del continuo interior, la casa y el sitio están compuestos a través de una fluida progresión de espacios interiores y exteriores con referencias y orientaciones que cambian gradualmente.
EN DEFINITIVA, LA CASA ESTÁ PENSADA PARA QUE EXISTA UNA FUSIÓN ENTRE ÉSTA Y EL TERRENO Y A SU VEZ ENTRE EL TERRENO Y LOS SUJETOS QUE HABITAN EN LA VIVIENDA. EL USO DE CRISTALERAS EN GRAN PARTE DE LA CASA HACE QUE LA ESTANCIA PRIVADA ESTÉ MÁS CERCA DEL CONTEXTO EXTERNO. LOS HABITANTES SE RELACIONAN ENTRE SÍ EN LA ESTANCIA MÁS GRANDE DE LA CASA, EL SALÓN, EL CUAL TAMBIÉN TIENE ENORMES CRISTALERAS QUE DAN AL EXTERIOR PARA NO PERDER NUNCA LA RELACIÓN.
INFORMACIÓN GENERAL
Arquitecto: Toyo Ito & Associates, Architects
Localización: Marbella, Chile
Área del proyecto: 370 sqm
Año del proyecto: 2009
Toyo Ito bautizó esta casa como “White O”. Este nombre tiene una conexión con una de las casas más importantes del arquitecto; “White U”, diseñada en 1976. Por lo tanto es un nombre en honor a esta obra.
La letra “O” describe el diseño de la casa: centrado en su jardín interior. También es la primera letra de “Ochoalcubo”.
En Marbella, a 160 km al noroeste de Santiago de Chile, se llevó a cabo el desarrollo de esta urbanización de casas de vacaciones dispersas entre campos de golf. La parcela, como todo el complejo de Marbella, desciende gradualmente hacia el nordeste. Mientras el campo de golf se despliega ante nuestros ojos, podemos ver las montañas hacia el este. En el entorno hay otras casas proyectadas por destacados arquitectos chilenos como Mathias Klotz y Christian De Groote, y para que todo el complejo fuera coherente en su diseño, era obligatorio que el exterior fuera blanco, la cubierta plana y los muros perpendiculares.
PLANIMETRÍA
PLANTA DE CUBIERTA Y SITUACIÓN
ESCALA 1:200
PLANTA SOTANO
ESCALA 1:200
PLANTA PRIMERA
ESCALA 1:200
ALZADO NORTE
ESCALA 1:200
ALZADO SUR
ESCALA 1:200
SECCIÓN SUR Y ALZADO Y SECCIÓN ESTE
ESCALA 1:200
ESPACIOS Y CONCEPTO
La planta principal se dispone horizontalmente en el extremo occidental, a una cota de considerable altura, enfrentada al emplazamiento en suave pendiente. Los visitantes pasan bajo el dormitorio en el extremo oriental y ascienden por la rampa hasta llegar a la entrada.
Con la excepción del garaje y la habitación de servicio, situados al nivel del terreno, todas las estancias importantes se ubican en la planta principal, en torno al patio. Respecto a las vistas, el estar, el comedor y los dormitorios miran al este, hacia el campo de golf.
En tanto la cubierta plana y el sistema de pilotis de la fachada representan la construcción racional, al modo de las obras tempranas de Le Corbusier, la fluida cualidad espacial que se experimenta al rodear el interior desde el sendero de entrada contrasta notablemente con aquella.
La casa se llama White O en referencia a la casa White U que construí e Tokio en 1976. La White U creaba la experiencia de un pasaje subterráneo, con su interior limitado por él, mientras que la White O, con sus interiores abiertos, proporciona la de flotar suspendido en el cielo.
La propuesta tiene la intención de hacer un uso dinámico de todo el sitio aprovechando las cualidades especiales creadas por la ladera del terreno.
RELACIÓN Y RECORRIDOS
El sitio y la casa están compuestas juntos como un solo espacio continuo, fluyendo como un recorrido con movimiento de espiral y centrada en un jardín parcialmente cercado.
El aproximamiento a la casa asciende junto a la línea natural de la ladera atrayendo a los visitantes hacia la parte trasera del sitio. Dentro del jardín interior, la ladera se torna continua con el suelo de la casa , fluye alrededor y hacia arriba a las zonas privadas.
Ascendiendo por un rampa que envuelve el jardín interior, el interior de la casa hace una transición fluida hacia una zona privada que contiene los dormitorios. Flotando sobre el terreno, estos espacios tienen completa privacidad.
Ascendiendo por la ladera hacia la parte trasera del sitio , entrando a la casa y moviéndose a través del continuo interior, la casa y el sitio están compuestos a través de una fluida progresión de espacios interiores y exteriores con referencias y orientaciones que cambian gradualmente.
EN DEFINITIVA, LA CASA ESTÁ PENSADA PARA QUE EXISTA UNA FUSIÓN ENTRE ÉSTA Y EL TERRENO Y A SU VEZ ENTRE EL TERRENO Y LOS SUJETOS QUE HABITAN EN LA VIVIENDA. EL USO DE CRISTALERAS EN GRAN PARTE DE LA CASA HACE QUE LA ESTANCIA PRIVADA ESTÉ MÁS CERCA DEL CONTEXTO EXTERNO. LOS HABITANTES SE RELACIONAN ENTRE SÍ EN LA ESTANCIA MÁS GRANDE DE LA CASA, EL SALÓN, EL CUAL TAMBIÉN TIENE ENORMES CRISTALERAS QUE DAN AL EXTERIOR PARA NO PERDER NUNCA LA RELACIÓN.
20 mar 2011
Laura Cimiano Prados_Pechakucha
Pechakucha es un espacio de interacción entre distintas disciplinas tales como la arquitectura, la fotografía, la ingeniería, la música o la literatura entre otras muchas. Este evento cuenta con un formato de presentación rápido, mediante el cual cada invitado tenía la opción de mostrar sus ideas, su trabajo.
Cuando estas presentaciones acaban se crea un ambiente de encuentro que permite el acercamiento del espectador y los participantes, un momento único para conocer personas, buscar trabajo, disfrutar de la compañía…
El pasado martes 15 de marzo, tuve la oportunidad, junto a varios de mis compañeros, de disfrutar de este evento en Sevilla. He de reconocer que Pechakucha consiguió sorprenderme en todos los sentidos, no sólo por su formato de presentación, que me parece muy acertado, sino por la gran diversidad de gente que acude, las ideas que se presentan…todo consiguió superar mis expectativas.
Es cierto que algunas de las presentaciones no me parecieron del todo interesantes. Quizás me pareció que se centraron demasiado en vender su idea, más que enseñar, o en la propaganda de un local, más que en exponer los proyectos que allí se llevaron a cabo. También es cierto que el escaso tiempo del que gozaban obligaba a los interlocutores a ser escuetos en sus presentaciones, de modo que algunas ideas quedaban poco explicadas. Sin embargo, la mayoría de los participantes supieron aprovechar y sacarle partido a este formato de 20 imágenes x 20 segundos = 6 minutos + 40 segundos, y el resultado fue sin duda muy emocionante.
Este año el evento comenzó con la intervención de Juan Socas. Afortunadamente, ya habíamos tenido la oportunidad de conocerlo a él y a sus trabajos anteriormente, pero de nuevo consiguió sorprenderme y emocionarme. Nos contó un cuento ilustrado con algunos de sus originales bocetos y luego acompañado de una canción, a guitarra, compuesta por el mismo. Su cuento me habló (y lo digo de este modo porque a cada uno nos llegó de una manera) de la búsqueda de uno mismo, del afán de crecer y superarse, de la pérdida de un referente en tu vida, de un amigo, y de lo importante que es tener a alguien a quien admirar. Sin duda alguna fue una de las mejores presentaciones, no se vendía a sí mismo, ni hacía publicidad, se nos mostraba, se nos confiaba, nos enseñaba.
A este gran artista le siguió la gran fotógrafa Amparito Sebastiá. Se nos presentó como una persona divertida, jovial y cercana, con unas ideas muy claras sobre lo que quiere y lo que le gusta. Se subió al escenario para ser ella misma y mostrarnos sus mayores inquietudes dentro de la fotografía, la moda y lo que ella llama “mis destarifos”: fotografiar cosas con un punto de surrealismo, montar escenas absurdas y algo extravagantes. Algunos de las trabajos que mostró fueron las fotografías realizadas para la decoración del restaurante COCONUT, “Puerros’ night for Coconut”, o la exposición “¿Cuál es tu color favorito?”. He tenido la oportunidad de seguir viendo trabajos suyos gracias a su página web, y todos ellos me han resultado interesantísimos, es algo distinto, original. Amparito Sebastiá consigue reflejar en sus trabajos, que lo que hace es lo que verdaderamente le gusta, lo que le apasiona, y consigue, o al menos eso me pareció a mí, impregnar cada fotografía con su propio carácter.
http://www.amparitosebastia.com/index.php?/beauty/restaurante-coconut/
Aunque no fue tanto por su trabajo, sino más bien por su actitud, Dorota Ewa Strzelecka, también consiguió enseñarme mucho. Su participación trató sobre cómo superar la timidez. Al ser una mujer procedente de Polonia, la verdad es que no se desenvolvía del todo bien en el español, sin embargo, en ese empeño por superar las barreras que nos bloquean el camino hacia nuestros objetivos, Dorota se enfrentó a esta debilidad y habló en público, superando el miedo y llegando a realizar aquello que pensó que no sería capaz de hacer. Me pareció no sólo una actitud ejemplo, sino también una actitud digna de admirar y de seguir.
A pesar de que ninguno de los participantes me dejó indiferente, la exposición de Sie Kikinshka fue sin duda la más sorprendente e inverosímil de todas. Este joven novelista y poeta, tan sólo con su peculiar imagen consiguió que todos los ojos se posasen en él. En la página oficial de Pechakucha se le define del siguiente modo: “es una personalidad bohemia genuinamente intuitiva, indisciplinado, sarcástico, plástico, mordaz, contributor, pornoeléctrico, locobarde, superlativo, arteuntico, lovemprendedor, necio, sin remordimientos e intrigantemente simpático.” Yo no podría definirlo mejor, y de hecho consiguió que los 6 minutos 40 segundos que duraba su intervención fueran pornoeléctricos, locobardes, superlativos, arteunticos, lovemprendedores, intrigantes, y logró, por lo menos en mi caso, transmitirme la curiosidad por saber más sobre su obra, transmitirme esas ganas que se hacían tan presente en su persona. Sin duda Sie Kikinshka no me dejó para nada indiferente.
De este modo, en Pechakucha no sólo aprendes y disfrutas de los trabajos que exponen los participantes, también aprendes sobre cómo se debe hablar en público, te das cuentas de cuáles fueron las formas más adecuadas de presentarse, de mostrar una proyecto y por qué no de vender una idea o buscar trabajo.
Cuando estas presentaciones acaban se crea un ambiente de encuentro que permite el acercamiento del espectador y los participantes, un momento único para conocer personas, buscar trabajo, disfrutar de la compañía…
El pasado martes 15 de marzo, tuve la oportunidad, junto a varios de mis compañeros, de disfrutar de este evento en Sevilla. He de reconocer que Pechakucha consiguió sorprenderme en todos los sentidos, no sólo por su formato de presentación, que me parece muy acertado, sino por la gran diversidad de gente que acude, las ideas que se presentan…todo consiguió superar mis expectativas.
Es cierto que algunas de las presentaciones no me parecieron del todo interesantes. Quizás me pareció que se centraron demasiado en vender su idea, más que enseñar, o en la propaganda de un local, más que en exponer los proyectos que allí se llevaron a cabo. También es cierto que el escaso tiempo del que gozaban obligaba a los interlocutores a ser escuetos en sus presentaciones, de modo que algunas ideas quedaban poco explicadas. Sin embargo, la mayoría de los participantes supieron aprovechar y sacarle partido a este formato de 20 imágenes x 20 segundos = 6 minutos + 40 segundos, y el resultado fue sin duda muy emocionante.
Este año el evento comenzó con la intervención de Juan Socas. Afortunadamente, ya habíamos tenido la oportunidad de conocerlo a él y a sus trabajos anteriormente, pero de nuevo consiguió sorprenderme y emocionarme. Nos contó un cuento ilustrado con algunos de sus originales bocetos y luego acompañado de una canción, a guitarra, compuesta por el mismo. Su cuento me habló (y lo digo de este modo porque a cada uno nos llegó de una manera) de la búsqueda de uno mismo, del afán de crecer y superarse, de la pérdida de un referente en tu vida, de un amigo, y de lo importante que es tener a alguien a quien admirar. Sin duda alguna fue una de las mejores presentaciones, no se vendía a sí mismo, ni hacía publicidad, se nos mostraba, se nos confiaba, nos enseñaba.
A este gran artista le siguió la gran fotógrafa Amparito Sebastiá. Se nos presentó como una persona divertida, jovial y cercana, con unas ideas muy claras sobre lo que quiere y lo que le gusta. Se subió al escenario para ser ella misma y mostrarnos sus mayores inquietudes dentro de la fotografía, la moda y lo que ella llama “mis destarifos”: fotografiar cosas con un punto de surrealismo, montar escenas absurdas y algo extravagantes. Algunos de las trabajos que mostró fueron las fotografías realizadas para la decoración del restaurante COCONUT, “Puerros’ night for Coconut”, o la exposición “¿Cuál es tu color favorito?”. He tenido la oportunidad de seguir viendo trabajos suyos gracias a su página web, y todos ellos me han resultado interesantísimos, es algo distinto, original. Amparito Sebastiá consigue reflejar en sus trabajos, que lo que hace es lo que verdaderamente le gusta, lo que le apasiona, y consigue, o al menos eso me pareció a mí, impregnar cada fotografía con su propio carácter.
http://www.amparitosebastia.com/index.php?/beauty/restaurante-coconut/
Aunque no fue tanto por su trabajo, sino más bien por su actitud, Dorota Ewa Strzelecka, también consiguió enseñarme mucho. Su participación trató sobre cómo superar la timidez. Al ser una mujer procedente de Polonia, la verdad es que no se desenvolvía del todo bien en el español, sin embargo, en ese empeño por superar las barreras que nos bloquean el camino hacia nuestros objetivos, Dorota se enfrentó a esta debilidad y habló en público, superando el miedo y llegando a realizar aquello que pensó que no sería capaz de hacer. Me pareció no sólo una actitud ejemplo, sino también una actitud digna de admirar y de seguir.
A pesar de que ninguno de los participantes me dejó indiferente, la exposición de Sie Kikinshka fue sin duda la más sorprendente e inverosímil de todas. Este joven novelista y poeta, tan sólo con su peculiar imagen consiguió que todos los ojos se posasen en él. En la página oficial de Pechakucha se le define del siguiente modo: “es una personalidad bohemia genuinamente intuitiva, indisciplinado, sarcástico, plástico, mordaz, contributor, pornoeléctrico, locobarde, superlativo, arteuntico, lovemprendedor, necio, sin remordimientos e intrigantemente simpático.” Yo no podría definirlo mejor, y de hecho consiguió que los 6 minutos 40 segundos que duraba su intervención fueran pornoeléctricos, locobardes, superlativos, arteunticos, lovemprendedores, intrigantes, y logró, por lo menos en mi caso, transmitirme la curiosidad por saber más sobre su obra, transmitirme esas ganas que se hacían tan presente en su persona. Sin duda Sie Kikinshka no me dejó para nada indiferente.
De este modo, en Pechakucha no sólo aprendes y disfrutas de los trabajos que exponen los participantes, también aprendes sobre cómo se debe hablar en público, te das cuentas de cuáles fueron las formas más adecuadas de presentarse, de mostrar una proyecto y por qué no de vender una idea o buscar trabajo.
17 mar 2011
Laura Cimiano Prados_Creatividad Colectiva
La semana pasada asistimos junto a algunos compañeros de fin de carrera a un curso de creatividad. La actividad que allí realizamos consistía en modificar y manipular 5 cajas de cartón, de manera que a partir de ellas diseñáramos un proyecto que consiguiera cambiar de tal modo la caja que no aparentase serlo. Mi grupo, tenía además otra norma que debíamos seguir, debíamos inspirarnos en un video encontrado a partir de la búsqueda en youtube de 5 palabras elegidas al azar.
La experiencia fue muy interesante, ya que me enseñó un poco más sobre mi forma de trabajar en grupo, sobre como reacciono. Para empezar nos costó bastante pensar 5 ideas. Creo que nuestra forma de enfocar el trabajo no fue la adecuada, razón por la cual nos costó tanto arrancar. A pesar de ello, las ideas que surgieron eran bastante buenas.
Poco a poco fuimos viendo como el resultado de nuestros proyectos no eran los esperados, y tuvimos que ir modificando nuestras ideas, lo que no nos agradaba demasiado. Esto, unido a la falta de tiempo nos fue desanimando. Aunque como he dicho antes los resultados pudieron ser mucho mejores, el aprendizaje en mi caso fue enorme. Aprendes a valorar ideas que en un principio no te parecen demasiado buenas, a no cortar alas a los demás no desprestigiando sus sugerencias, aprendes como hablar de manera que lo que vayas a decir suene lo más agradable y apetecible posible, a dar tu opinión sin que moleste u oprima a los demás, a reaccionar rápido ante los imprevistos...creo que esa ha sido la mejor parte de este "experimento", el provecho que le hemos sacado en cuanto a cómo trabajar en grupo.
Por otro lado, la experiencia global de la clase nos demostró que el trabajo en grupo favorece la creación de ideas y permite que surjan más y más rápido que cuando trabajamos individualmente. La actividad se ha hace más llevadera y resulta ser más dinámica y entretenida. Supongo que esto nos enseña mucho no sólo ya desde una perspectiva arquitectónica o de trabajo en grupo, sino sobre las personas. Necesitamos de los demás. Nos sentimos más cómodos estando acompañados, rehuimos la soledad.
De todas las ideas que surgieron en mi grupo, creo que la más interesante fue el tragaluz. Como ya he dicho antes, creo que enfocamos mal el trabajo, y en lugar de inspirarnos en el video que aparecía de unir nuestras cinco palabras (gominolas, agua, polvo, puzle y bombilla), interpretamos mal el enunciado y nos dispusimos a crear 5 proyectos que contuvieran cada uno las 5 palabras, lo que nos complicó bastante la tarea. Sin embargo, la idea del tragaluz me pareció muy interesante. Dividimos la caja en muchos trozos lo más pequeños posible y los mojamos con la idea de crear una masa que nos permitiera, por un lado eliminar por completo la idea de caja, y por otro, crear una forma esférica. De este modo, de un solo tiro habíamos matado tres pájaros, agua, polvo, y en la reconstrucción de la forma, el puzle. La forma esférica, que recordaba a la de las golosinas, tendría varios túneles atravesándola, de manera que si te asomabas por uno de los agujeros podrías observar la luz al otro lado y los efectos que esta crea en el interior. De ahí el nombre, nuestra bombilla no crea luz, la absorbe.
La experiencia fue muy interesante, ya que me enseñó un poco más sobre mi forma de trabajar en grupo, sobre como reacciono. Para empezar nos costó bastante pensar 5 ideas. Creo que nuestra forma de enfocar el trabajo no fue la adecuada, razón por la cual nos costó tanto arrancar. A pesar de ello, las ideas que surgieron eran bastante buenas.
Poco a poco fuimos viendo como el resultado de nuestros proyectos no eran los esperados, y tuvimos que ir modificando nuestras ideas, lo que no nos agradaba demasiado. Esto, unido a la falta de tiempo nos fue desanimando. Aunque como he dicho antes los resultados pudieron ser mucho mejores, el aprendizaje en mi caso fue enorme. Aprendes a valorar ideas que en un principio no te parecen demasiado buenas, a no cortar alas a los demás no desprestigiando sus sugerencias, aprendes como hablar de manera que lo que vayas a decir suene lo más agradable y apetecible posible, a dar tu opinión sin que moleste u oprima a los demás, a reaccionar rápido ante los imprevistos...creo que esa ha sido la mejor parte de este "experimento", el provecho que le hemos sacado en cuanto a cómo trabajar en grupo.
Por otro lado, la experiencia global de la clase nos demostró que el trabajo en grupo favorece la creación de ideas y permite que surjan más y más rápido que cuando trabajamos individualmente. La actividad se ha hace más llevadera y resulta ser más dinámica y entretenida. Supongo que esto nos enseña mucho no sólo ya desde una perspectiva arquitectónica o de trabajo en grupo, sino sobre las personas. Necesitamos de los demás. Nos sentimos más cómodos estando acompañados, rehuimos la soledad.
De todas las ideas que surgieron en mi grupo, creo que la más interesante fue el tragaluz. Como ya he dicho antes, creo que enfocamos mal el trabajo, y en lugar de inspirarnos en el video que aparecía de unir nuestras cinco palabras (gominolas, agua, polvo, puzle y bombilla), interpretamos mal el enunciado y nos dispusimos a crear 5 proyectos que contuvieran cada uno las 5 palabras, lo que nos complicó bastante la tarea. Sin embargo, la idea del tragaluz me pareció muy interesante. Dividimos la caja en muchos trozos lo más pequeños posible y los mojamos con la idea de crear una masa que nos permitiera, por un lado eliminar por completo la idea de caja, y por otro, crear una forma esférica. De este modo, de un solo tiro habíamos matado tres pájaros, agua, polvo, y en la reconstrucción de la forma, el puzle. La forma esférica, que recordaba a la de las golosinas, tendría varios túneles atravesándola, de manera que si te asomabas por uno de los agujeros podrías observar la luz al otro lado y los efectos que esta crea en el interior. De ahí el nombre, nuestra bombilla no crea luz, la absorbe.
Laura Cimiano Prados
Mi propuesta sobre el trabajo de la casa de la moneda, es recorrer tanto los alrededores como el propio edificio, ayudándome de un personaje que ya nos es conocido gracias al video "a wolf loves pork". Debido a la gran cantidad de imágenes que han sido necesarias opara montar el video me es muy dificil comprimirlo para que sea posible subirlo al blog, y tarda mucho cuando lo intento en el youtube. Por eso, he optado por hacer un pequeño "trailer" hasta que me sea posible solucionar dicho problema. Aunque este esta un poco alejado del real, da una ligera idea, que al fin y al cabo es lo que pretendo. Os dejo aqui un pequeño avance sobre "A pig loves acorn".
9 mar 2011
Reflexión SIII_Laura Cimiano Prados
REFLEXIÓN III. ¿QUIÉN DEBE CAMBIAR, EL ARQUITECTO O LA SOCIEDAD? 3 MARZO 2011
La semana pasada, a raíz de la visita de Francisco Javier Casas y Beatriz Villanueva, como representación de Brijuni Arquitectos, surgió un debate que a mi parecer tiene un gran interés. ¿QUIÉN DEBE CAMBIAR, EL ARQUITECTO O LA SOCIEDAD? Nos pedían blanco o negro, no había posibilidad de un gris, lo que hacía aun más compleja la pregunta.
Mi respuesta fue la SOCIEDAD, y aun hoy, después de haber reflexionado sobre el tema más tranquilamente sigo opinando lo mismo. Creo que resulta más fácil pensar en la respuesta contraria, ya que el grupo formado por los arquitectos es menor que el que configura la sociedad, y por tanto parece más sencillo pensar en un cambio por su parte que en un cambio de la sociedad entera, lo cual se nos aparece como una utopía.
He preguntado a varias personas, algunas que pertenecen y otras que no al mundillo que se ha ido creando en torno a la Arquitectura, y alguien me dijo “¿No son los arquitectos fruto de la sociedad?”. Claro que sí. De hecho, los arquitectos han ido evolucionando a lo largo de la Historia, han ido cambiando según las necesidades de una sociedad y según el contexto en el que se encontraban. Por ello, si queremos transformar, ya no sólo a los arquitectos, sino también su arquitectura, es necesario empezar por la base, por su formación, y para ello es necesario cambiar la sociedad.
Por otro lado, la sociedad protestamos ante una arquitectura que se nos presenta como inalcanzable o incomprensible. Puede ser que en su afán por destacar, crecer, y ser reconocido, el arquitecto buscase relacionarse con un mundo más elitista o ilustrado, y que en cierto modo, sea este aspecto el que haya que modificar, con el objetivo de alcanzar un acercamiento entre arquitectura y sociedad. Sin embargo, ¿no parece mucho más interesante educar y culturizar a la sociedad de manera que la Arquitectura sea entendible para todos? ¿Debemos bajar el listón porque la mayoría no llegamos o debemos luchar para mejorar nuestro salto y así alcanzarlo?
Al fin y al cabo, creo que la respuesta no parece tan negra o tan blanca como supuse en un principio, y que quizás en el equilibrio, en el gris, se encuentre la sabiduría. Estoy convencida de que el cambio en los arquitectos sería un imposible sin un cambio en la sociedad, de que la sociedad debe buscar crecer y culturizarse, pero también creo que los arquitectos podrían, no bajar el listón, pero si ayudar a que nuestro salto fuese un poco más sencillo.
¿BLANCO O NEGRO? GRIS.
La semana pasada, a raíz de la visita de Francisco Javier Casas y Beatriz Villanueva, como representación de Brijuni Arquitectos, surgió un debate que a mi parecer tiene un gran interés. ¿QUIÉN DEBE CAMBIAR, EL ARQUITECTO O LA SOCIEDAD? Nos pedían blanco o negro, no había posibilidad de un gris, lo que hacía aun más compleja la pregunta.
Mi respuesta fue la SOCIEDAD, y aun hoy, después de haber reflexionado sobre el tema más tranquilamente sigo opinando lo mismo. Creo que resulta más fácil pensar en la respuesta contraria, ya que el grupo formado por los arquitectos es menor que el que configura la sociedad, y por tanto parece más sencillo pensar en un cambio por su parte que en un cambio de la sociedad entera, lo cual se nos aparece como una utopía.
He preguntado a varias personas, algunas que pertenecen y otras que no al mundillo que se ha ido creando en torno a la Arquitectura, y alguien me dijo “¿No son los arquitectos fruto de la sociedad?”. Claro que sí. De hecho, los arquitectos han ido evolucionando a lo largo de la Historia, han ido cambiando según las necesidades de una sociedad y según el contexto en el que se encontraban. Por ello, si queremos transformar, ya no sólo a los arquitectos, sino también su arquitectura, es necesario empezar por la base, por su formación, y para ello es necesario cambiar la sociedad.
Por otro lado, la sociedad protestamos ante una arquitectura que se nos presenta como inalcanzable o incomprensible. Puede ser que en su afán por destacar, crecer, y ser reconocido, el arquitecto buscase relacionarse con un mundo más elitista o ilustrado, y que en cierto modo, sea este aspecto el que haya que modificar, con el objetivo de alcanzar un acercamiento entre arquitectura y sociedad. Sin embargo, ¿no parece mucho más interesante educar y culturizar a la sociedad de manera que la Arquitectura sea entendible para todos? ¿Debemos bajar el listón porque la mayoría no llegamos o debemos luchar para mejorar nuestro salto y así alcanzarlo?
Al fin y al cabo, creo que la respuesta no parece tan negra o tan blanca como supuse en un principio, y que quizás en el equilibrio, en el gris, se encuentre la sabiduría. Estoy convencida de que el cambio en los arquitectos sería un imposible sin un cambio en la sociedad, de que la sociedad debe buscar crecer y culturizarse, pero también creo que los arquitectos podrían, no bajar el listón, pero si ayudar a que nuestro salto fuese un poco más sencillo.
¿BLANCO O NEGRO? GRIS.
2 mar 2011
26 feb 2011
Reflexión SII_Laura Cimiano Prados_Rogelio López Cuenca
“Cercanías, de Rogelio López Cuenca, es un trabajo de crítica que, de varias maneras y a través de diferentes obras, nos permite reflexionar sobre una de las más violentas formas de dominación de Occidente: la representación.
Cercanías puede pensarse como un acto político, no solo a por los temas que aborda o por el lugar que como productor ocupa el artista, sino porque trabaja con los materiales y signos de la política para realizar un desmontaje desde el interior de la propia lógica de la representación.
Como algunas de sus obras más recientes, en este proyecto expositivo Rogelio López Cuenca se centra en Andalucía elaborando un mapa de ruta que pasa por la historia, la memoria, Al-Andalus, el orientalismo, las migraciones, el turismo y las personalidad es para evidenciar un tejido hecho de políticas de dominación.”
Así se presenta esta exposición de Rogelio López Cuenca, una crítica cargada de ironías y contradicciones dirigida a Occidente. Una de las zonas que, desde mi punto de vista, refleja enormemente esa ironía es la siguiente:
Se encuentra decorada por toda clase de objetos relacionados con la Alhambra, publicidad que aprovecha el ambiente “oriental” que se crea alrededor de este edificio para vender todo tipo de productos, ya sean camisetas, cerámica o cervezas. Pero lo que más me llama la atención son dos textos opuestos y contradictorios que nos hablan de la gran hipocresía que envuelve la publicidad antes mencionada, la hipocresía que caracteriza al mundo Occidental en este aspecto.
El primero aparece distribuido por toda la pared, en distintos tamaños, propagando una calidez y cercanía que como podemos apreciar en el segundo texto (una real pragmática de los Reyes Católicos), es inexistente, o al menos lo ha sido durante un periodo muy largo de la Historia.
A lo largo de las distintas salas que conforman la exposición aparecen varios textos que encierran una crítica directa hacia el mundo Occidental y que nos hablan de una relación de interés y de dominación con el mundo Oriental. Rogelio critica con dureza la manipulación que Occidente ha hecho de la realidad de Oriente con el objetivo de crear negocio, favorecer los viajes, beneficiarse a él mismo sin preocuparse de cuál es en verdad la realidad que allí se vive. Nos desvela cómo a través de la cultura, de la publicidad, se nos manipula y se nos transmiten unas ideas, una realidad inexistente que es la que le conviene al poder. La cultura como forma de control social.
20 feb 2011
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